10 Cloverfield Lane - 2016

Un po' Misery non deve morire, un po' Room, un po' Lost durante la seconda stagione, 10 Cloverfield Lane è un thriller claustrofobico, o un esperimento in stile sindrome di Stoccolma finito male, se volete, con uno scenario apocalittico a fare da contorno.
Il film è un seguito-nonseguito (con gli accenti sulla 'e') di Cloverfield, il Gozzillone che nel 2008 è comparso dal nulla e ha distrutto New York. Ma qui siamo in Louisiana, giù al sud, qualche anno dopo; niente metropoli da radere al suolo, e niente mostri titanici all'orizzonte. O almeno così sembra.
Se vi piacciono le pellicole che vi fanno saltare sulla sedia, questo è il titolo per voi. Io l'ho trovato davvero ben realizzato (con qualche sbavatura, ma ne parliamo più avanti), e lo consiglio caldamente.
Inoltre, non è assolutamente necessario aver visto il predecessore per godersi appieno 10 Cloverfield Lane. In ogni caso, siccome in Italia il film uscirà soltanto tra un mesetto, perché non dare un'occhiata al buon vecchio Cloverfield nel frattempo? Vi assicuro che ne vale la pena.
E se avete ancora dei dubbi, tornate qui tra una settimana e leggetevi la mia recensione su Cloverfield.

COSA SUCCEDE AL NUMERO DIECI DI CLOVERFIELD LANE
Michelle lascia New Orleans dopo un litigio con il fidanzato; nella notte, la sua auto esce di strada dopo essere stata ripetutamente colpita da qualche cosa di indefinito. Quando Michelle si risveglia, scopre di trovarsi in un bunker sotterraneo, insieme a due uomini: Howard, sulla sessantina, costruttore e proprietario del bunker, ed Emmett, più o meno della stessa età di Michelle, vicino di casa di Howard.
Alla giovane donna viene raccontato che nelle ore precedenti si è scatenato l'inferno sulla terra: un attacco chimico, o forse nucleare, a opera di non si sa chi; potrebbero essere i Russi, o peggio ancora, extraterrestri. Michelle è viva solo grazie a Howard, il quale ha notato l'auto fuori strada prima di rifugiarsi nel suo bunker, e ha tratto la ragazza in salvo. Non c'è nulla da fare, sulla superficie sono morti tutti: Howard, Emmett e Michelle sono gli unici sopravvissuti.
Tuttavia c'è qualcosa di sospetto nel comportamento di Howard: quello che racconta corrisponde a verità, e quindi Michelle ed Emmett gli devono la vita, o i suoi sono solo i deliri di un pazzo che ha perduto completamente il contatto con il mondo reale? Michelle è intenzionata a scoprire cosa sia successo veramente là fuori.

COMMENTIAMO 10 CLOVERFIELD LANE
La pellicola è l'ultima arrivata della casa di produzione Bad Robot, fondata dal mio grande amico J.J. Abrams (che fa solo finta di non conoscermi, per esigenze di ordine pubblico). J.J. possiede il magico dono dell'artista visionario: creare mondi e storie verosimili nei contesti più disparati, e 10 Cloverfield Lane non fa eccezione.
La regia è stata affidata a un nuovo arrivato, il giovane Dan Trachtenberg (bel cognome: mi ricorda il suono che fanno i vecchi quando scatarrano sul bus), il quale dimostra un talento inaspettato dietro la macchina da presa. In particolar modo, il regista conosce molto bene come creare momenti di fortissima tensione: avete presente Kathy Bates in Misery non deve morire? Ecco, viaggiamo sullo stesso livello.
Il mondo di 10 Cloverfield Lane è quanto di più spoglio, scarno e incolore ci possa essere: un rifugio sotterraneo, e tre attori. Niente di più. L'intero dramma si svolge all'interno di questo fabbricato non più grande di una sessantina di metri quadrati, reso ancora più angusto dalla mole di Howard, il paranoico proprietario del bunker interpretato da quell'armadio che è John Goodman.
Tanto di cappello a John nel dar vita a un personaggio complesso quale è Howard, diviso tra un sincero desiderio di aiutare Michelle ed Emmett a sopravvivere negli anni futuri, e un'incapacità totale di comprendere le emozioni e i sentimenti altrui. Howard è più macchina che uomo; non solo per la sua stazza, ma anche per la sua assoluta assenza di espressioni facciali: non importa il suo stato d'animo, Howard mantiene sempre l'identico viso leggermente imbronciato dalla prima all'ultima scena. E' inquietante, perché noi spettatori ci rendiamo conto che è lui il capo, è lui che detiene il potere decisionale in quel rifugio sotto terra: ma come si può interagire con un individuo che non prova emozioni?

La ricetta è quella vincente per un thriller psicologico da cardiopalma: un'ambientazione dalle dimensioni ridotte, e un personaggio dal carattere imperscrutabile. Gli ingredienti funzionano, e posso assicurare che per l'intera durata del film si ha la sensazione di non essere mai al sicuro.
Poi arrivano i momenti in cui salti sulla sedia perché tutto ti aspetti, ma non quello, e ti rendi conto che 10 Cloverfield Lane sa anche farti spaventare a dovere.
Tutto sembra funzionare alla perfezione, dunque; tutto, meno un problema di ritmo nell'azione durante l'ultimo quarto d'ora. Senza rovinare la visione a nessuno, vi basti sapere che in 10 Cloverfield Lane vi sono due climax a distanza molto ravvicinata: il primo si risolve in maniera impeccabile, il secondo purtroppo è lento, confusionario e davvero poco credibile. Un gran peccato, perché si tratta proprio delle ultime scene, quando i nodi dell'intera vicenda vengono al pettine, e vedere il secondo climax risolversi in una maniera così amatoriale lascia in bocca un retrogusto che ha l'amaro sapore della delusione.
In ogni caso, bisogna ricordare che si tratta del primo lavoro di Dan Trachtenberg, e se queste sono le premesse, sono davvero curioso di vedere che cosa sarà in grado di realizzare con qualche anno di esperienza in più.

VOTO
7 e mezzo. Per essere alla sua prima esperienza come regista di un lungometraggio, Dan Trachtenberg ha svolto un lavoro invidiabile. Certo, c'è quel problemuccio del ritmo troppo lento sul finale che purtroppo va a incidere sul voto complessivo. Bravo comunque il regista, e bravi i tre attori principali.
Le personalità contorte vi affascinano? Sentite il bisogno di un'ora e mezza di genuina inquietudine? Allora rendete omaggio a 10 Cloverfield Lane e prenotate un posto in sala quando il film uscirà in Italia. Non ne rimarrete delusi.

Colonia - 2015

Dopo aver concluso la saga cinematografica di Harry Potter, la splendida Emma Watson si è dedicata ai progetti più disparati, dalla black comedy al genere biblico. Alcuni film sono stati accolti molto bene, altri... non esattamente. Al momento la sua filmografia post-Hogwarts ricorda un tracciato da montagne russe, tra salite, discese, e magari anche un sacchettino per vomitare a portata di mano.
Il film di oggi, Colonia, si colloca più verso gli alti, sebbene non raggiunga chissà quali vette di eccellenza. E' un thriller tutto europeo, e per il misero budget con cui è stato girato riesce a regalare momenti di genuino intrattenimento.
Al momento in cui scrivo la recensione non ho alcuna data per l'uscita in Italia di questo film: so che una distribuzione italiana esiste, quindi prima o poi uscirà. Se nel frattempo volete conoscere qualcosina in più su questa pellicola, continuate a leggere.

COSA SUCCEDE NELLA COLONIA
Lena è una giovane hostess della Lufthansa, in soggiorno a Santiago del Cile per una settimana nel settembre 1973. Nella capitale si incontra con il fidanzato Daniel, di professione fotografo, il quale ha abbandonato la Germania quattro mesi prima per documentare la difficile situazione cilena nei mesi precedenti il colpo di stato di Pinochet. Daniel è un convinto sostenitore del presidente Allende, nonché della linea di pensiero che la grave crisi economica in cui versa il Cile è dovuta a un intento criminoso degli Stati Uniti di spodestare un presidente scomodo eletto democraticamente.
Quando Pinochet e i suoi uomini mettono in atto il golpe che porta alla caduta del governo, Daniel e Lena vengono arrestati e trascinati allo stadio. Il giovane, nonostante la cittadinanza tedesca, viene additato come simpatizzante di Allende e portato via dai militari.
Lena non si perde d'animo e comincia a raccogliere indizi su dove possa essere stato condotto Daniel. Viene a conoscenza di un luogo remoto a sud della capitale, una rigidissima comunità religiosa chiamata "Colonia Dignidad", gestita da Paul Schäfer, un santone di origini tedesche e collaborazionista del governo Pinochet. A quanto sembra, i simpatizzanti di Allende sono tenuti prigionieri e torturati all'interno della colonia.
Lena decide quindi di entrare a far parte della comunità di Schäfer, nella speranza di ritrovare il suo fidanzato e tornare insieme in Germania.

COMMENTIAMO COLONIA
Meglio tagliare la testa al toro fin da subito: nella didascalia iniziale, Colonia si auto-definisce un film "Based on true events", che si può interpretare un po' come si vuole. Dal mio personale punto di vista, lo ritengo un "liberamente ispirato a vicende realmente accadute". Quindi per me Colonia non vuole essere un film storico, e non deve essere giudicato in quanto tale. Se per voi il realismo storico è una condizione imprescindibile, state alla larga da questa pellicola; se d'altro canto ritenete che un film possa prendersi qualche libertà, allora possiamo dare una breve occhiata a quali sono i punti di forza di Colonia, e anche a quali sono le sue magagne.

Colonia è, alla base, un thriller. Abbiamo due protagonisti coraggiosi e tenaci, un cattivo irredimibile, personaggi di contorno che c'hanno scritto "Io muoio" in fronte, e inseguimenti mozzafiato. Gli ingredienti ci sono, insomma, e sono quelli giusti. Il film dura circa un paio d'ore, e posso assicurare che non c'è un singolo momento morto: la storia prosegue a ritmi serrati, c'è sempre un nuovo segreto da scoprire all'interno della colonia, e l'interesse dello spettatore è mantenuto vivo.

Ci sono due grossi problemi, tuttavia, alla base di questo film. Il primo è che l'intera storia olezza di "già visto centinaia di volte" da parecchi chilometri di distanza. Non c'è nulla in questo film che non sia già stato trattato da altri esponenti del genere, pure con maggiore effetto oserei dire (e tra gli esponenti includo anche serie TV come Prison Break). Non solo, Colonia preferisce giocare molto sul sicuro, al contrario di tanti altri film in cui gli eroi si trovano effettivamente in condizioni psicologicamente stressanti.
Sarà per la necessità di concentrare quattro mesi di vicende in due ore, sarà per l'interpretazione sottotono di Michael Nyqvist nel ruolo del cattivo, fatto sta che non abbiamo mai l'impressione che Daniel e Lena si trovino davvero in pericolo; assistiamo sì a episodi di abusi, sia verbali che fisici, ma sembrano più amichevoli pacche sulle spalle che non truci rappresentazioni di quella ferocia e sadismo che hanno caratterizzato la dittatura di Pinochet.

L'altro grosso problema risiede nel ritmo del film. Come ho accennato qui sopra, il soggiorno forzato di Lena e Daniel all'interno di "Colonia Dignidad" dura all'incirca quattro mesi. La pellicola tenta, in maniera piuttosto maldestra, di condensare questi quattro mesi in poco meno di due ore. In poche parole, ogni scena viene presentata secondo un'identica scaletta: dapprima sullo schermo appare una planimetria della colonia con a fianco il numero di giorni trascorsi da Lena al suo interno; poi assistiamo a una scena di pochi minuti in cui ai buoni succede qualcosa, o nella quale il cattivo si appresta a compiere qualche gesto eticamente discutibile. Tuttavia non vediamo mai le conseguenze di tali azioni, perché è già l'ora della prossima planimetria e della prossima scena.
Lena disobbedisce alla superiora; verrà punita o non verrà punita? Boh, non lo sappiamo.
Ai membri della comunità vengono somministrate ogni giorno delle pillole; quali sono i loro effetti? Boh, possiamo solo immaginarlo.
E via di questo passo.
 
Ironicamente, è il cattivo Paul Schäfer la vittima principale del modo in cui le scene sono costruite. Il personaggio reale era un pedofilo psicopatico in combutta con la dittatura di Pinochet, che per decenni ha avuto totale potere di vita e di morte sui membri della comunità religiosa da lui fondata. Con una personalità del genere ti puoi sbizzarrire a più non posso, se ti chiami Stephen King o Carlo Lucarelli. Se invece sei Florian Gallenberger e hai a disposizione un budget ridotto, devi sacrificare la psicologia di Schäfer a favore della trama. In pratica, a causa del ritmo serrato del film, Paul Schäfer ne esce irrimediabilmente ridimensionato, un leone con la dentiera che non fa paura a nessuno.

Riassumendo il tutto, ho come l'impressione che se invece di un film avessero prodotto una miniserie in sei-otto puntate, il regista avrebbe potuto sviluppare in maniera più soddisfacente la caratterizzazione dei personaggi principali, così come le varie sotto-trame che coinvolgono gli altri membri della comunità.
Così com'è, Colonia è la dimostrazione che si può realizzare un thriller di discreta fattura anche con pochi soldi, e nulla più.

La locandina del film per la distribuzione in Lussemburgo

VOTO
Dal 6 al 7. Non c'è nulla che non funzioni in questo film: è avvincente, mai noioso, esattamente come un thriller deve essere. E' semplicemente tutto troppo prevedibile. Allo stesso tempo, le vicende sono parecchio edulcorate rispetto alla realtà di quanto è avvenuto all'interno di "Colonia Dignidad".
Da cineforum, ma solo se non ci sono altri argomenti di cui parlare.

Anomalisa - 2015

Disagio. Questo film me ne ha messo tanto.
Anomalisa è il lavoro più recente di Charlie Kaufman, lo sceneggiatore di Essere John Malkovich e Se mi lasci ti cancello, per intenderci. Sono entrato in sala con la consapevolezza che avrei assistito a qualcosa di surreale, inverosimile, anche alienante, conoscendo Kaufman; e nonostante tutta la preparazione psicologica, sono uscito dal film con un gran "Che cazzo ho appena visto?" stampato in faccia.
Mentre mi accingo a buttar giù qualche impressione a caldo, mi chiedo se il film mi sia piaciuto o meno. Stranamente al momento non mi so dare una risposta; chissà se alla fine della recensione riuscirò almeno a dare un voto a questo film.
Come d'abitudine, cominciamo con un piccolo accenno alla trama.

COSA SUCCEDE IN ANOMALISA
Michael Stone è un affermato scrittore di manuali per la crescita personale, giunto a Cincinnati per partecipare a una conferenza sul tema "assistenza al cliente".
Nonostante la sua fama di autore dal talento straordinario nel "leggere" le persone, l'uomo si trova in evidente difficoltà a interagire con chi gli sta intorno. Non solo: Michael si vede circondato da individui completamente identici, tutti con lo stesso volto e la stessa voce maschile, a prescindere che essi siano donne o uomini, giovani o anziani. Perfino sua moglie e suo figlio non fanno eccezione.
Arrivato all'hotel che ha prenotato per passare la notte, Michael è perseguitato dai ricordi di una sua vecchia fiamma, Bella, che lui ha lasciato di punto in bianco un giorno senza alcuna spiegazione. I due si incontrano nel bar dell'albergo, ma l'incapacità di Michael di motivare il suo abbandono, nonché la sua proposta improvvisa di proseguire la conversazione in camera da letto portano Bella su tutte le furie. L'ex-fidanzata esce dal bar lasciando Michael solo.
In seguito l'uomo si imbatte per caso in una giovane donna di nome Lisa, unica "diversa" in un mondo popolato da individui tutti uguali. In Michael scatta un desiderio irrefrenabile di sapere tutto su di lei, e la invita in camera sua. Lisa è incerta sul da farsi, ma l'attrazione per Michael vince la sua insicurezza e i due passano la notte assieme.
L'indomani, giorno della conferenza, Michael si ritrova combattuto tra l'accattivante prospettiva di un futuro assieme a Lisa, e il dubbio che la giovane donna non sia quella persona "unica" che gli era sembrata la sera precedente.

COMMENTIAMO ANOMALISA
Anomalisa è un film in stop-motion con pupazzi animati. A differenza di tanti altri esponenti di questo genere, come Coraline e la porta magica o Nightmare Before Christmas, dove l'estetica si avvicina più a quella di un cartone animato, in Anomalisa è il realismo a far da padrone. O meglio, una raffigurazione del mondo reale costruita in base ai limiti che la tecnica stop-motion comporta.
Il risultato finale, pupazzi dalle fattezze umane che si muovono e interagiscono in maniera non sempre naturale, alimenta quella sensazione di disagio che accennavo all'inizio del post. Il disagio comincia a farti compagnia fin dai primi fotogrammi del film e non ti abbandona nemmeno quando i titoli di coda sono terminati.
Questa spiacevole sensazione è facilmente identificabile nel concetto di uncanny valley (cliccate sul termine per la definizione su Wikipedia), e sono più che sicuro che Kaufman ricercasse proprio questo effetto durante la realizzazione di Anomalisa.

Non voglio soffermarmi sui vari dettagli che rendono questa pellicola un compendio di uncanny valley: ritengo che molti aspetti del film debbano essere sperimentati in prima persona, senza preconcetti. D'altronde, pure io sono andato a vedere questo film a mente completamente aperta: niente lettura di recensioni, niente sbirciatine alla trama, mi sono soltanto concesso la visione del trailer, che potete trovare qui sotto.
Diciamo solo che già il film di per sé non brilla di ottimismo, se ci metti pure questa estetica realistica che al tempo stesso non può essere realistica proprio per come il film è girato, crei un'opera di sicuro sorprendente, ma più per l'amaro che ti lascia dentro.
Andate a vedere questo film, osservate per bene le fattezze del volto dei vari personaggi, e poi ne riparliamo.

Una chicca che ho scoperto mentre tornavo a casa è un riferimento al trasformista italiano Leopoldo Fregoli nel nome dell'albergo in cui Michael a Lisa alloggiano: il Fregoli, appunto.¹
Esiste una rara malattia psichiatrica definita come "sindrome di Fregoli", in cui la persona affetta è convinta di essere perseguitata da un individuo capace di assumere le fattezze altrui.
Michael potrebbe quindi essere affetto da questa sindrome, in quanto vede le persone intorno a lui come mera fotocopia l'una dell'altra, tutte riconducibili a un individuo dagli occhi azzurri e il sorriso vagamente pronunciato.

Anomalisa non si presta a facili interpretazioni: ciò che è certo è che abbiamo due individui "unici", Michael e Lisa, con caratteristiche fisiche ben definite e immersi in un marea di persone tutte uguali. Una prima interpretazione potrebbe essere che il motivo per cui ci innamoriamo è proprio questo: e cioè che quando troviamo la nostra "anima gemella", essa ci appare differente da chiunque altra.
Tuttavia, se teniamo in considerazione il nome dell'albergo e la patologia a cui si associa, allora Anomalisa diventa la storia di un uomo in preda al delirio, il quale ritrova temporaneamente la sanità mentale grazie all'incontro fortuito con una giovane donna piena di complessi.
Il film semina indizi qua e là a favore sia della prima che della seconda interpretazione, senza mai propendere per l'una o per l'altra. Sta a noi spettatori trovare la spiegazione che riteniamo più appropriata. In bocca al lupo nel capire qual è: per quanto mi riguarda, credo che ci rimuginerò sopra per una settimana buona.

VOTO
7 pieno. Vado leggermente in controtendenza rispetto alla maggioranza delle recensioni. Anomalisa è un film che di sicuro ti rimane dentro, e presenta innumerevoli chiavi di interpretazione (ben più di quei pochi spunti che ho a malapena abbozzato in questa breve recensione). Il prezzo da pagare per questo viaggio alla ricerca della persona unica, tuttavia, è una pesante dose di disagio iniettato direttamente in vena.
E' un film che vale la pena vedere? Sì, certamente.
Me lo riguarderei? Ah ah ah ah ah! No.

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1 Per qualche arcano motivo, nella versione inglese il nome viene pronunciato talvolta "fregòli" e talvolta "fre-jolie". Ma gli stupri alla lingua italiana non si fermano qui: il peggio lo raggiunge Lisa quando cerca di pronunciare "Le ragazze vogliono il meglio", cannando ogni singolo accento. Aggiungo questi stupri alla lista dei "fattori disagio".^↩

Room - 2015

Questo film è una meraviglia.
Quella meraviglia che devi sempre sentirti dentro se vuoi scoprire il mondo, parafrasando Platone.
Room trae ispirazione da una vicenda realmente accaduta non molto tempo fa in una cittadina austriaca, conosciuta in tutto il mondo come il caso Fritzl: una giovane donna tenuta prigioniera per anni nello scantinato di casa dal padre e costretta ad avere continuamente rapporti incestuosi con lui.
Mi ricordo che, quando qualche anno fa il caso venne alla luce, non riuscivo a trovare le parole per esprimere il mio sgomento di fronte a quanto era accaduto. In maniera molto simile, dare un nome alle emozioni che ho provato mentre guardavo le scene che si susseguivano sullo schermo non è facile.
In una parola soltanto, Room è affascinante; come solo l'amore e l'orrore possono essere.

COSA SUCCEDE NELLA STANZA
Joy e il figlio Jack vivono segregati in un capannone non più grande di dodici-tredici metri quadrati. Joy è stata rapita da uno squilibrato sette anni or sono, quando la ragazza era appena diciassettenne; Jack, invece, è nato nel capannone e non ha mai visto nulla del mondo di fuori. Anzi, per lui il "fuori" non esiste, il mondo reale è formato dal Letto, l'Armadio, il Lavandino, la Vasca da bagno, la Cucina, e la Mamma. Fuori c'è lo Spazio, il vuoto assoluto, e più lontano ancora c'è il Paradiso.
L'unico altro essere umano che Jack conosce è l'uomo che ha sequestrato sua madre, e che viene ogni sera a portare del cibo e ad abusare della ragazza.
Quando Jack compie cinque anni, Joy decide di rivelargli la verità: fuori dalla porta del capannone c'è un mondo intero, popolato di persone, animali, automobili, alberi e tanto altro ancora. Joy da sola non può avere la meglio sul suo sequestratore, ma insieme al figlio elabora un piano disperato per fuggire dal capannone e ritrovare la libertà.
Il piano miracolosamente riesce; la polizia arresta l'uomo e l'incubo della prigionia ha termine. Ora davanti a Joy e Jack si presenta una nuova sfida: la madre deve riadattarsi al mondo di fuori, mentre il bambino deve imparare a conoscerlo per la prima volta. Se per Jack, superato un primo periodo traumatico, il processo è relativamente semplice, per Joy il percorso di riabilitazione è assai più difficoltoso.

COMMENTIAMO ROOM
Le impressioni a caldo sono moltissime, tanto che non è facile spiegare in poche righe perché questo film è una meraviglia.
Cominciamo da Jack, il bambino nato nel capannone. Tanto di cappello a Jacob Tremblay, il piccolo attore che interpreta questo personaggio. Come in Revenant l'intera narrazione poggia sulle spalle di Leonardo DiCaprio, così in Room è Jacob Tremblay a portare avanti l'intera vicenda. Uno sfoggio di talento e professionalità mica da poco, e sto parlando di un attore che ha soltanto nove anni! Jacob, ascoltami: continua così che sei un fenomeno e non diventarmi un altro Macaulay Culkin. Te lo chiedo col cuore.
Poi c'è Brie Larson, la mamma, premiata con l'Oscar come miglior attrice protagonista (a quanto pare nessuno sapeva come pronunciare Saoirse Ronan); la sua metamorfosi da persona affettuosa, razionale e ottimista nonostante le avversità, a creatura fragile, insicura e scostante proprio quando si trova al sicuro è terribilmente splendida. A parte certi sguardi da spiritata che mi ricordavano Helena Bonham Carter, ma possiamo sorvolare.

In ogni caso, il protagonista assodato del film è il piccolo Jack, inconsapevole eroe di un moderno mito della caverna. Dapprima c'è la Stanza, che è fatta di persone e cose vere, mentre tutto quello che si vede in televisione è finto; il fuori non esiste, c'è solo lo Spazio vuoto. Poi d'un tratto arriva il mondo, quello che nella mente di Jack era solo finzione, ma che invece è reale e tangibile. E il mondo è abbagliante, caotico, infinito, tanto che il tempo a disposizione per viverlo non è mai abbastanza.
Sono concetti di una complessità enorme, a cui Jack cerca di dare una spiegazione nei suoi monologhi dove si fondono intuizione e ingenuità, in quella logica illogica che solo un bambino può ideare.

Per la brutalità della sua storia e l'interpretazione degli attori, Room è una pellicola che mi ha sorpreso, e molto. E' uno di quei film che riesce a farti provare lo stupore più autentico; proprio quando pensavi di aver ormai visto tutto.

VOTO
8 e mezzo. Godetevi questo gioiello e rimanete a bocca aperta anche voi insieme a Jack.

Premi Oscar 2016 Mix and Match

Con le statuette ancora calde, pubblico un breve aggiornamento sui film premiati che ho avuto occasione di vedere in questi mesi. Pochi, mannaggia a me: soltanto il quartetto qui sopra. Mi metto in ginocchio sui ceci da solo per non aver ancora guardato Mad Max: Fury Road. Il Blu-ray è stato prontamente ordinato la settimana scorsa, e prima o poi spero che riesca a raggiungere il mio eremo lussemburghese.
Ok, per il momento concentriamoci sui film che ho effettivamente guardato. Poche righe per ciascuno, soprattutto perché sono già trascorse alcune settimane da quando sono andato a vederli, e non posso ricordare ogni singola scena.

THE HATEFUL EIGHT - 2015
Premio Oscar per la miglior colonna sonora a Ennio Morricone

Qui lo posso dire, tanto è il mio blog: questo film mi ha provato. Parecchio. In parte è colpa mia, perché dopo otto ore passate in ufficio ho deciso di andare a vedere un film che ne dura tre. Inoltre, durante i primi 90 minuti non succede praticamente nulla, e in un paio di occasioni ero lì lì per cedere alla palpebra calante. Poi, quando il film ingrana, è un meraviglioso festival di ruggine, sangue e merda, degno del miglior Tarantino; ma per arrivarci a questo festival bisogna resistere all'abbiocco.
Lo avessi visto durante il weekend magari l'avrei apprezzato di più.

The Hateful Eight è un western ambientato all'interno di una stazione di ristoro per diligenze, dove otto personaggi poco raccomandabili trovano riparo da un'imperversante bufera di neve. Tarantino divide i suoi otto eroi in due squadre: i "giusti" che stanno dalla parte della legge (due cacciatori di taglie e uno sceriffo alle prime armi), e i "malviventi" (una brigantessa prigioniera di uno dei cacciatori, e tre scagnozzi della sua banda in incognito); l'ottavo personaggio, un anziano generale sudista, non partecipa direttamente allo scontro.
Lo scopo dei "giusti" è di raggiungere il villaggio di Red Rock, ciascuno per un motivo differente, mentre l'obiettivo dei "malviventi" è quello di liberare la donna, capo della loro banda.
Ne consegue un duello senza esclusione di colpi tra le due squadre, fatto di inganni ed esasperazioni sia fisiche che psicologiche, una sorta di Agatha Christie in chiave splatter.
Se volete sapere quale delle due squadre ne esce vincitrice, andate a guardarvi il film e soffrite anche voi.

Voto: 7 e mezzo. Un incipit più spedito avrebbe di sicuro giovato a questa pellicola. Guardatelo a mente sveglia e vi divertirete un mondo.


REVENANT - REDIVIVO - 2015
Premio Oscar per la miglior regia ad Alejandro Iñárritu
Premio Oscar per il miglior attore protagonista a Leonardo DiCaprio (yay, ce l'hai fatta Leo!)
Premio Oscar per la miglior fotografia a Emmanuel Lubezki

Forse più di qualunque altro film candidato quest'anno, Revenant incarna il motto "No pain, no gain". Due ore e mezza di sofferenza fisica portata allo stremo, con un Leo prima sbranato da un'orsa, poi lasciato in fin di vita dai suoi compagni, poi braccato dai nativi americani, poi ancora mezzo morto assiderato... senza contare che in tutto questo uno dei suoi compagni gli ha ammazzato il figlio sotto gli occhi.
Insomma se te la vuoi guadagnare questa statuetta d'oro, allora devi soffrire. Ma proprio tanto.

Revenant è ispirato a una storia vera, quella dell'esploratore Hugh Glass abbandonato nelle foreste del South Dakota, dopo che i suoi compagni lo avevano creduto morto.
Iñárritu riprende la vicenda originale, mettendo in rilievo la formidabile forza di volontà di quest'uomo nel fronteggiare ogni tipo di avversità per ritrovare l'assassino del figlio e farsi giustizia.
La regia è spettacolare: il piano sequenza iniziale in cui i protagonisti sfuggono per miracolo all'imboscata dei nativi vale da solo il prezzo del biglietto. E poi c'è Leo, in un'interpretazione ferina che da sola tiene in piedi l'intero film.

Voto: 8 più. Revenant lascia semplicemente a bocca aperta. Guardatelo; è un ordine.


IL CASO SPOTLIGHT - 2015
Premio Oscar come miglior film
Premio Oscar per la miglior sceneggiatura originale a Tom McCarthy e Josh Singer

Allora, prima domanda: perché in italiano ci hanno dovuto aggiungere quelle due paroline al titolo? Che poi uno va a pensare che ci sia un caso di cronaca chiamato "Spotlight". No, "Spotlight" è semplicemente il nome di un team del Boston Globe che si occupa di giornalismo d'inchiesta: quindi ricerche negli archivi, raccolta di testimonianze, interviste, eccetera.

La trama in breve: nel 2001 si instaura al Boston Globe un nuovo direttore, Marty Baron. Il team Spotlight è alla ricerca di un nuovo tema su cui lavorare, e Baron propone di indagare su alcuni casi di abusi sessuali su minori perpetrati da esponenti del clero di Boston.
Nel corso della prolungata indagine, la squadra mette alla luce un sistema omertoso protrattosi per oltre trent'anni, nel quale i sacerdoti colpevoli di violenza nei confronti dei minori vengono semplicemente trasferiti di parrocchia in parrocchia senza mai essere denunciati alle autorità.

Per come è girato, Il caso Spotlight è un grosso punto interrogativo. E' una pellicola pacata, rilassante, in netto contrasto con l'orrore che i cinque membri del team scoperchiano nel corso della loro indagine. Anche la recitazione degli attori è estremamente composta: davanti a loro si rivela pian piano un machiavellico sistema di insabbiamenti e bustarelle, eppure i cinque giornalisti non battono ciglio, rimangono obiettivi qualunque sia l'orrore che si trovano davanti. La deontologia professionale viene prima di tutto.
Proprio per questa pacatezza di fondo non c'è nulla che risalti nel caso Spotlight; e devo ammettere che il premio Oscar come miglior film mi ha stupito. Ma forse è proprio la ricerca dell'obiettività a tutti i costi che rende questa pellicola degna di nota.

Voto: 7 e mezzo. Da cineforum.


INSIDE OUT - 2015
Premio Oscar come miglior film d'animazione

Titolo rimasto in inglese perché tanto siamo diventati tutti impeccabili anglofoni. Magari.
Neanche un sottotitolino, che ci piace tanto? Che so Inside Out - Che ti passa per la testa?, Inside Out - Viaggio al centro della mente, Inside Out - A Siamo Fatti Così gli fa una pippa?

Ok, di questo film possiedo già il Blu-ray, quindi prima o poi gli dedicherò una recensione completa.
Inside Out è la storia di Riley, una ragazzina undicenne trasferitasi da poco con i genitori a San Francisco. Ambientarsi nella nuova città non è facile, e tale disagio si riflette nelle emozioni che risiedono nella mente di Riley: Gioia, Tristezza, Rabbia, Paura e Disgusto. Quando, a causa di un incidente, Gioia e Tristezza vengono scaraventate fuori dal quartier generale della mente di Riley, la protagonista si ritrova sempre più in difficoltà nel socializzare con i compagni di scuola e interagire con i genitori. Gioia e Tristezza devono quindi riuscire a ritornare al quartier generale il prima possibile per rimettere a posto lo stato d'animo disorientato della giovane ragazza.

Inside Out è un gioiellino come solo la Pixar sa creare: come ci riescano (quasi) ogni volta è un mistero. Riley siamo noi a undici anni, non più bambini ma non ancora adolescenti, di fronte a un evento che non riusciamo a comprendere ma che dobbiamo accettare, come il trasloco in un'altra città.
Inutile dirlo, la personificazione delle cinque emozioni è azzeccatissima; ma non solo, l'intero concetto di come è strutturata la nostra mente ha un che di strabiliante. Mi risulta oltremodo difficile riassumere in due scarni paragrafi un film complesso come Inside Out: se non l'avete ancora visto, fatelo ora.

Voto: 8 meno. Rigorosamente vietato ai minori di sette anni perché non lo capirebbero.


E con queste quattro mini-recensioni si chiude la mia serata degli Oscar. Chissà che l'anno prossimo non riesca a vedere qualche pellicola in più prima delle premiazioni. Staremo a vedere. Nel frattempo, buone visioni!

A Bigger Splash - 2015

Lui, lei, l'ex e la figlia dell'ex in un film noir ambientato intorno a una piscina nella cornice mediterranea dell'isola di Pantelleria. Tra vecchie passioni mai sopite, rancori e attacchi di gelosia, sappiamo già che la vicenda finirà in tragedia, quindi prepariamoci una bella confezione di pop-corn e godiamoci le morbose vacanze dei nostri protagonisti.
Ammetto che di Luca Guadagnino, regista di A Bigger Splash, conosco ben poco: questo è il suo primo lavoro che sono riuscito a guardare dall'inizio alla fine. Ho tentato qualche anno fa di dare una chance a Melissa P., ma ho desistito dopo 20 minuti. Mi dicono che Io sono l'amore sia una pellicola valida; mah, in futuro potrei anche pensare di recuperarla.

Ma veniamo a questo "grande spruzzo": è il remake di un film francese di fine anni Sessanta con Alain Delon e Romy Schneider, intitolato La piscina. Anche in questo caso ammetto la mia ignoranza in materia: non ho visto La piscina e al momento una sua visione non risulta tra le mie priorità. Non mi metterò quindi a disquisire quanto di quest'ultimo lavoro di Guadagnino sia un omaggio, quanto ci sia di originale, eccetera.
Perché in ogni caso sono riuscito a godermi A Bigger Splash senza conoscere nulla delle sue origini, e per la proprietà transitiva lo potete fare anche voi.

COSA SUCCEDE IN A BIGGER SPLASH
Marianne è un'affermata rockstar che ha subito di recente un'operazione alle corde vocali; per rilassarsi nell'attesa di poter tornare a cantare, decide di trascorrere l'estate insieme al fidanzato Paul nell'isola di Pantelleria. I due però vengono raggiunti dall'esuberante produttore discografico Harry, il quale sta soggiornando in Italia assieme alla giovane figlia Penelope. La presenza in casa di quest'ospite inatteso, il cui carattere estroverso e festoso ben si sposa con la personalità indomita di Marianne, trascina Paul in una spirale di gelosia.
Non bisogna dimenticare inoltre che Harry è l'ex fidanzato di Marianne; Paul quindi sospetta, a ragione, che Harry sia giunto di proposito a Pantelleria per innescare un ritorno di fiamma nella rockstar.
Contemporaneamente Penelope comincia a interessarsi al taciturno e riservato Paul, flirtando con lui in maniera sempre meno innocente. L'idillio della vacanza si infrange in un crescendo di tensioni, segreti non rivelati, e parole che invece non si sarebbero mai dovute pronunciare.

COMMENTIAMO A BIGGER SPLASH
Ok, diciamolo subito fuori dai denti: A Bigger Splash non è un film semplice, e non sono nemmeno sicuro di averlo compreso appieno. La regia è fenomenale per tre quarti della pellicola, con tocchi di classe quali l'ombra dell'aereo sulla coppia Marianne/Paul a inizio storia, sottile presagio del cataclisma che stravolgerà la loro vacanza, o l'incessante e nervoso saltellare della macchina da presa da un particolare all'altro: una grotta, un paio di occhiali da sole riflettenti, un tallone, un cazzo al vento.
Ebbene sì, il nudo e crudo qua abbonda, e ce n'è per tutti i gusti.

Torniamo seri. La Pantelleria di Guadagnino è suddivisa in tre microcosmi: gli stranieri in vacanza, la popolazione del luogo e i migranti provenienti dal Nordafrica. Rappresentanti di questi microcosmi possono anche stare nella stessa inquadratura, tuttavia non interagiscono gli uni con gli altri se non in rari casi, quasi si trovassero in tre Pantellerie differenti.
E' in questa mancanza di interazione che ho trovato particolarmente ostico il messaggio del film, se mai ce ne sia uno. Perché inserire la questione dell'ondata migratoria, se comunque la storia regge benissimo anche senza? Dato che la durata di una pellicola è limitata, e in due ore devi saper raccontare una storia che abbia un senso se vuoi che il pubblico ti segua (a meno che non ti chiami Andy Warhol), mi sono chiesto come mai Guadagnino abbia voluto inserire queste sequenze con gli immigrati nordafricani, all'apparenza completamente avulse dal turbine di passioni e gelosie represse dei quattro protagonisti.

E non mi è mica stato facile tirar fuori una spiegazione razionale.

L'unica interpretazione decente che sono riuscito a trovare è nel modo in cui i quattro protagonisti vengono caratterizzati, in particolar misura la coppia Marianne/Harry, la rockstar e il produttore discografico: due persone che avevano la forza di cambiare il mondo con il loro talento e la loro pulsione rivoluzionaria (specialmente Harry, che sfoggia un tatuaggio sul petto con falce e martello), ma che si sono via via imborghesite e isolate dal resto del mondo.
A queste persone, così autocelebrative e prigioniere del loro passato, che arrivano a giustificare le proprie azioni con un lapidario "Siamo tutti osceni", la questione dei migranti appare come un qualcosa di fuori posto, quando in realtà i fuori posto sono proprio loro.

Da un certo punto di vista l'indifferenza dimostrata da Marianne e gli altri, da questi "comunisti" da salotto, fa rabbrividire: non dovrebbero essere i primi a interessarsi delle condizioni dei migranti? E invece niente, si barricano nell'edonismo della loro casa-fortezza dove ascoltare dischi in vinile (rigorosamente), ricordare di quanto si era fighi insieme ai Rolling Stones, e creare situazioni equivoche.
Non che mi dispiaccia: come dicevo, il film eccelle nei momenti di tensione che vengono a crearsi tra i quattro protagonisti; in ogni caso, quella sensazione di "fuori posto" rimane.

Per concludere, avrò compreso il messaggio di questo film, o ci sono almeno andato vicino? Quello che ho appena scritto ha un minimo di senso o è uno svarione degno del miglior Enrico Ghezzi? Non lo so, non pretendo di avere la verità in tasca; l'unica cosa che posso dire è che questa pellicola mi ha fatto riflettere. E già questo mi basta e avanza per consigliarvi A Bigger Splash.

VOTO
7 più. Merita una visione, ma fatevi un piacere e guardatevelo per conto vostro, senza fidanzati/e, mariti, mogli o amanti intorno: può condurre a paranoia.

PPZ - Pride + Prejudice + Zombies - 2016

Lo ammetto: mi aspettavo una cagata pazzesca e invece mi sono dovuto ricredere. Fa sempre piacere andare a vedere un film che supera le tue aspettative (bassissime, in questo caso).
PPZ - Pride + Prejudice + Zombies (d'ora in avanti abbreviato in PPZ) appartiene a quel filone di film di serie B in cui tutto quello che c'è da sapere è già nel titolo. In questo caso, Orgoglio e pregiudizio con gli zombie, né più né meno.
Incredibile ma vero, l'accoppiata funziona; con qualche riserva, che vedrò di delineare qui di seguito.

COSA SUCCEDE IN PPZ
Nel XIX secolo, l'Inghilterra è in ginocchio a causa di un'interminabile e dispendiosa guerra contro i morti viventi. Per fronteggiare la continua minaccia di queste creature immonde, i giovani aristocratici si recano in Estremo Oriente per apprendere le arti della lotta corpo a corpo. Le cinque sorelle Bennet sono da poco ritornate dal loro addestramento in Cina, e passano ora le loro giornate tormentate dalle continue manfrine della madre, la frivola signora Bennet, affinché trovino un marito benestante il prima possibile.
Jane, la sorella primogenita, conosce a un ballo l'affascinante e facoltoso signor Bingley, e tra i due giovani è subito colpo di fulmine. Tuttavia questa unione non è vista di buon occhio dal colonnello Darcy, il quale teme che Jane sia solamente interessata all'eredità dell'amico.
Dal canto suo Darcy rimane colpito dalla secondogenita Elizabeth, ma il carattere orgoglioso di lui e l'atteggiamento insofferente di lei non fanno altro che alimentare un sentimento di avversione reciproca. O almeno così sembra.
La vita di Elizabeth prosegue tra duelli contro gli apparentemente inarrestabili morti viventi, nuovi spasimanti che chiedono la sua mano, e continui malintesi con il colonnello Darcy, il quale riesce persino a far separare Jane e Bingley.
Solamente il precipitare degli eventi, con gli zombie pronti a un'invasione su larga scala, permetterà a Elizabeth e Darcy di mettere da parte i propri preconcetti e cedere all'amore.

COMMENTIAMO PPZ
Gli aspetti positivi di questa pellicola non sono molti, ma contribuiscono a rendere la visione del film un piacere. Innanzitutto, è una parodia ben scritta che rende omaggio al soggetto originale di Jane Austen (non mi pronuncio qui sul romanzo di Seth Grahame-Smith, da cui è stato tratto questo film, perché non l'ho letto). Alcuni concetti chiave dell'opera letteraria, quali l'importanza del ceto sociale o del tipo di educazione ricevuta vengono qui semplicemente accennati, per dare maggiore spazio ai continui conflitti tra gli umani e l'orda impetuosa dei morti viventi. PPZ è un film d'azione, dopotutto.
In breve questa pellicola riesce a incastonare l'universo borghese dei primi anni del XIX secolo nella cornice apocalittica del genere zombie; e ci riesce con successo, un'impresa non da poco.

Gli aspetti che non funzionano sono tanti e sparsi per tutta la durata del film. In questa sede mi limiterò soltanto a quelli più evidenti, perché in ogni caso PPZ è un prodotto di serie B e possiamo quindi sorvolare certe disattenzioni di poco conto.

Primo problema: la maniera in cui ci viene presentato il mondo di PPZ. Ogni film dell'orrore ha i suoi "canoni": chi sono i mostri, come si muovono, come si propagano, come possono essere uccisi, eccetera. La regola d'oro per spiegare questi canoni al pubblico è quella di utilizzare le immagini, non le parole: il classico show, don't tell. Purtroppo PPZ si dimentica completamente di questa regola, cosicché agli inizi del film assistiamo a un dialogo surreale tra Darcy e la padrona di casa, dove il giovane colonnello sciorina alla signora, e di conseguenza al pubblico, quali sono i "canoni" di questo film. L'espediente del dialogo è quanto di più pigro ci possa essere, oltre a non avere alcun senso: secondo PPZ, infatti, la piaga degli zombie è iniziata almeno cinquant'anni prima, per cui chiunque è a conoscenza di che cosa siano questi morti viventi e di come si moltiplichino; non c'è alcun motivo per cui la povera padrona di casa necessiti di una rinfrescata di memoria.

Secondo problema: l'assoluta mancanza di intesa tra Bella Heathcote, l'attrice che interpreta Jane, e Douglas Booth, l'attore che interpreta il signor Bingley. Entrambi tanto carini e fotogenici, ma due scope in culo quando si tratta di recitare. Credo che avrebbero fatto un lavoro migliore usando una Barbie e un Ken.
Ok, torniamo seri: la travagliata storia d'amore di Jane e Bingley, per quanto in secondo piano, è indispensabile ai fini della maturazione psicologica di Elizabeth e Darcy. Ma se la storia d'amore tra i primi non si fa vedere, di conseguenza ne risente anche quella dei secondi.

Terzo problema: il montaggio e l'illuminazione delle scene di battaglia. E qui non ci sono scusanti: se in un film d'azione non mi fai capire chi sta tranciando cosa, a me viene qualche dubbio che tu abbia sbagliato mestiere. La vittima eccelsa è il duello nelle cucine a circa un terzo della pellicola, ripreso pressoché in assenza di illuminazione e virato al rosso. Davvero, non riesco a capire il perché di questa scelta infelice.
In generale le scene di battaglia sono alquanto sottotono, annebbiate e girate in maniera confusionaria: c'è violenza, ma è al rallentatore, ci sono sangue e budella, ma sono sempre fuori fuoco. Un grande peccato, perché con un titolo come Orgoglio e pregiudizio e zombie ci si poteva sbizzarrire quanto più possibile; e invece è stato fatto il minimo sindacale.

VOTO
5 pieno. E' un esperimento divertente, che avrebbe raggiunto la sufficienza se avesse osato di più e se si fosse ricordato ogni tanto di illuminare il set. Se al liceo Jane Austen vi ha cambiato la vita, andatelo a vedere; altrimenti state pure a casa.

Brooklyn - 2015

La mia avventura bloghiana comincia placida e silenziosa con un film che, guarda caso, sta passando quasi inosservato. Eppure è candidato agli Oscar 2016 anche come miglior film, per cui tanto schifo non potrà fare, giusto?
E infatti la risposta è scontata: Brooklyn è davvero un buon film. Non solo; tratta un argomento che mi sta molto a cuore: il doversi trasferire in un paese che non è il tuo, ricominciare tutto da zero, non avere amici, sentirsi soli e in preda a quel dubbio attanagliante di aver fatto la scelta giusta.
Ma andiamo con ordine.

COSA SUCCEDE A BROOKLYN
La storia è ambientata agli inizi degli anni '50. La giovane Eilis Lacey abbandona il suo paese natale, l'Irlanda, per trasferirsi negli Stati Uniti alla ricerca di un futuro. Tanto intelligente quanto riservata, Eilis dapprima fatica a trovare una sua dimensione al di là dell'oceano, e la sua unica consolazione sono le lettere della sorella Rose, rimasta in Irlanda assieme alla madre. Con il passare del tempo, tuttavia, Eilis riesce a vincere la nostalgia e Brooklyn diventa in tutto e per tutto la sua nuova casa. Con un futuro come contabile e un fidanzato che a trovargli un difetto ce ne vuole, la vita di Eilis non potrebbe essere più rosea; purtroppo, un lutto improvviso in famiglia costringe la ragazza a ritornare nel suo paese natale. Molte delle sicurezze che Eilis aveva acquisito negli ultimi mesi sono messe a dura prova: se prima faticava a trovare un lavoro a tempo pieno, ora è il lavoro a trovare lei; se prima nessun ragazzo del posto sembrava essere interessato, ora nientemeno che uno dei migliori partiti della città comincia a farle la corte. Forse anche in Irlanda non si sta così male, in fin dei conti...

Ovviamente, se volete conoscere la decisione finale di Eilis, se restare in Irlanda o tornare a Brooklyn, dovete guardarvi il film (o leggervi la trama su qualche altro sito; di mia regola, non rivelerò MAI un finale sul mio blog).

COMMENTIAMO BROOKLYN
Sono impressioni a caldo, dato che ho terminato di vedere il film soltanto poche ore fa.
Cominciamo dalle rassicurazioni: dal trailer che trasmettevano qui in Lussemburgo, Brooklyn mi dava l'impressione di essere un chick flick stile Autumn in New York. Meno male che era soltanto un'impressione: Brooklyn non è una storia d'amore, è la storia di un essere umano alla ricerca della propria identità.

Cosa mi è rimasto impresso: beh, innanzitutto la caratterizzazione di Eilis Lacey. E' un'eroina atipica, presentata come timida e con un'autostima sotto le scarpe all'inizio della storia.
Da un certo punto di vista, ho faticato a comprendere i suoi struggimenti per il paese appena lasciato. In fondo, Eilis trova sempre la pappa pronta: arriva negli Stati Uniti che ha già un lavoro, non deve imparare una nuova lingua, non deve affannarsi per trovare alloggio, e ha pure i corsi serali all'università per diventare contabile sovvenzionati dalla parrocchia. Rispetto alla stragrande maggioranza degli immigrati Eilis ha la vita facile, non c'è che dire.

Se però mi fermo un secondo e ripenso alla mia esperienza di italiano emigrato all'estero (da parecchi anni ormai), mi rendo conto che i miei primi tempi non erano poi tanto differenti. Avevo un appartamento, un salario decente, non c'era nulla di cui mi dovessi lamentare; eppure mi sentivo costantemente un "pesce fuor d'acqua".
Questo film mi ha fatto ricordare quei primi mesi, dove ogni giorno sembra più difficile di quello precedente, e la tua vita è composta di tanti bassi e pochi alti. Chiamatela "nostalgia", chiamatela "culture-shock" o anche semplicemente "processo di assimilazione", è una fase sotto la quale dobbiamo passare tutti. Finché, piano piano, si inizia a vedere il nuovo paese come la propria "casa".

Tornando a Eilis, un altro aspetto che ho apprezzato in maniera particolare è la sua metamorfosi da ragazza inibita e timorata di Dio a giovane disinvolta e talora anche sfacciata.
Eppure, nonostante la trasformazione Eilis mantiene fino al termine della pellicola una certa insicurezza e ingenuità che la portano a commettere errori facilmente evitabili. Durante l'intero secondo tempo Eilis è letteralmente in balia degli abitanti del piccolo borgo in cui ha fatto ritorno; dov'è finita tutt'a un tratto quella sicurezza acquisita nei mesi precedenti?
Ma in fondo il fascino di questo film sta anche in questo: Eilis non è un'eroina perfetta, è un essere umano. Ogni tanto agisce in maniera sensata, ogni tanto no, nonostante l'esperienza accumulata.

Una piccola nota sui vari personaggi di contorno. Sono tutti caratterizzati al meglio, e nessuno cade vittima di facili stereotipi. In poche battute regalano un universo di voci differenti sempre desiderose di interagire con la protagonista.
Mi rimane un unico dubbio riguardo ai genitori di Tony, il fidanzato di Eilis. Sono entrambi italiani a detta di Tony, eppure quando dialogano con Eilis sfoggiano una delle migliori dizioni di inglese americano mai udite in sala. In un quartiere dove ogni singolo abitante parla con una determinata cadenza, mi è sembrato alquanto strano che questi due immigrati italiani parlassero un americano impeccabile. Che scuole serali avranno mai frequentato?
Come dicevo, è solamente un piccolo appunto, relegato a una scena che non supera i due minuti.

DA OSCAR?
Brooklyn ha ricevuto tre nomination: miglior film, miglior sceneggiatura non originale, miglior attrice protagonista. Se li meriterebbe tutti e tre se non fosse che quest'anno la concorrenza è spietata, con titoli di grande spessore in ciascuna categoria (e The Revenant che si prospetta asso pigliatutto); chissà se Brooklyn riuscirà a portare a casa almeno una statuetta.
Saoirse Ronan, l'attrice che interpreta Eilis, regala sicuramente una performance eccelsa; se qualcuno a Hollywood è in grado di pronunciare il suo nome, ha qualche chance di vincere l'oscar.

La locandina del film fuori dalla sala, in tutto il suo splendore

VOTO
8 pieno. Guardatelo senza remore.