Reefer Madness: The Movie Musical - 2005

Tanti anni fa la coltivazione e il consumo di canapa, pianta dai molteplici usi, erano tollerati in tutto il mondo. Ma intorno al 1930 iniziò negli Stati Uniti una campagna mediatica volta a demonizzare questa pianta e l'uso ricreativo che ne veniva fatto. Nel giro di pochi anni la canapa divenne agli occhi dell'opinione pubblica la pianta del demonio e il suo utilizzo fu dichiarato illegale, status che persiste ancora oggi in buona parte dei paesi occidentali e non.
Ma non sono qui per aprire un dibattito su marijuana sì - marijuana no. Sono qui per parlare di cinema e mi serviva un'introduzione per presentare il film di oggi.
Dunque, torniamo agli anni Trenta e alla campagna mediatica: viene realizzato un film allo scopo di sensibilizzare l'opinione pubblica, uno pseudo-documentario intitolato Tell Your Children (Ditelo ai vostri bambini). In esso vengono descritti gli spaventosi effetti della marijuana attraverso la tragica vicenda di due giovani liceali di belle speranze, Bill e Mary, vittime di questa droga infernale.
Le intenzioni di Tell Your Children, almeno in teoria, sono quelle di informare e mettere in guardia i genitori americani. Tuttavia il film è infarcito di una quantità tale di menzogne spacciate per ricerche scientifiche (la marijuana provoca allucinazioni, ninfomania, demenza, e molto altro ancora), oltre che di fatti inventati di sana pianta (il migliore rimane la storia del tizio che massacra la sua famiglia a colpi d'accetta dopo aver fumato uno spinello; ma quando mai?), che un produttore di film d'exploitation ne acquista i diritti e comincia a proiettarlo con il titolo di Reefer Madness (Pazzia/follia da spinello), e l'intento educativo va a farsi benedire.
Passano gli anni, la pellicola viene messa in soffitta per poi essere riscoperta negli anni Settanta, quando diviene un film culto per la recitazione approssimativa e la comicità involontaria delle sue scene. Sul finire degli anni Novanta Reefer Madness conosce una nuova ondata di popolarità grazie al remake-parodia omonimo realizzato in chiave musical per il teatro; da lì il passo alla trasposizione cinematografica è quasi immediato, e infatti nel 2005 ecco arrivare Reefer Madness: The Movie Musical, il film di cui voglio parlare oggi.

Swing, gonne lunghe, gilet e tutta la follia degli anni Trenta.

Da documentario moralista e malriuscito a frizzante commedia musicale, il percorso di Reefer Madness è di certo uno dei più bizzarri nella storia del cinema, e per questo ho voluto inserire questa breve digressione sulle sue origini. Il film degli anni Trenta non è protetto da copyright negli Stati Uniti, e si reperisce facilmente su Youtube. Se volete darci un'occhiata ricordatevi due cose: 1) la pellicola non è mai stata distribuita in Italia, quindi esiste solo in inglese e l'audio è quello gracchiante degli anni Trenta; 2) è un film girato davvero male. Quindi se non masticate l'inglese e non avete una passione per il trash vi consiglio caldamente di lasciarlo perdere.
Al massimo date un'occhiata alla videorecensione di Doug Walker, alias The Nostalgia Critic, che si trova anche sottotitolata in italiano (in maniera pessima, ma meglio di niente), e in venti minuti vi fate un'idea.

E ora, largo al musical.

COSA SUCCEDE IN REEFER MADNESS: THE MOVIE MUSICAL

La versione recensita è quella tedesca uscita nel 2009;
al momento è l'unica esistente in formato Blu-ray.

Un agente governativo mette in guardia gli abitanti di una quieta cittadina degli Stati Uniti riguardo al proliferare tra i giovani del consumo di una droga tanto potente quanto pericolosa, la marijuana. L'obiettivo dell'agente è quello di sensibilizzare l'opinione pubblica, spronandola ad agire prima che il fenomeno assuma dimensioni incontrollabili.
Per fare ciò, l'agente mostra agli ignari cittadini la storia di Jimmy Harper e Mary Lane, due ragazzi innamorati che vedono il loro sogno d'amore, e le loro vite, andare in frantumi proprio a causa della marijuana.
Jimmy, infatti, teme di perdere l'interesse di Mary qualora la ragazza scoprisse che è una frana a ballare. Il giovane accetta quindi di prendere lezioni di ballo da Jack, un malvivente che gestisce il business locale di produzione e vendita al dettaglio di marijuana. Giunto all'appartamento di Jack, Jimmy si ritrova con uno spinello in bocca e diviene subito schiavo di questa terribile droga.
Da studente modello Jimmy si tramuta in un ribelle assatanato, e Mary si domanda il motivo di questo repentino cambiamento; così una sera lo segue fino all'appartamento di Jack. Entrata nel covo del gangster, anche la ragazza cade vittima dello spinello tentatore; è a quel punto che Mary, suo malgrado, innesca un'inarrestabile spirale di tragedia tra sesso sadomaso, efferati omicidi, necrofilia, Satana e morti viventi.

Jimmy e Mary dichiarano il loro amore imperituro sui versi di Romeo e Giulietta.
Nel caso non fosse chiaro che la loro storia deve concludersi in tragedia.

COMMENTIAMO REEFER MADNESS: THE MOVIE MUSICAL 

Abbandonarsi ai piaceri carnali insieme a Moloch...

Partiamo dai lati positivi: è uno dei musical più spassosi di cui esista una versione cinematografica (ok, a essere pignoli questo è un film per la TV, ma ci siamo capiti); inoltre, delle quattordici canzoni che compongono il film almeno dieci sono memorabili.

... o dare ascolto agli ammonimenti di Gesù?

Particolarmente azzeccati sono i due numeri corali a circa un terzo della storia: The Orgy, in cui Jimmy in preda alle allucinazioni sogna di trovarsi nel bel mezzo di un baccanale, e la sua "immacolata" controparte Listen to Jesus, Jimmy, dove Gesù in persona cerca di convincere il ragazzo a tornare sulla retta via.
Ma l'intera colonna sonora è colma di tocchi di classe, e se mi metto a elencarli tutti mi servono dieci pagine. In poche parole, (quasi) tutte le canzoni sono una gioia per le orecchie e le coreografie una gioia per gli occhi. E da un musical non si può chiedere di meglio.
Passiamo quindi all'altro lato positivo: la performance degli attori principali. D'accordo, non siamo di fronte a esibizioni da Oscar (stiamo parlando di un prodotto pensato per il mercato home-video, dopotutto), ma il talento c'è tutto, e si vede. Spiccano Alan Cumming (l'agente governativo, Moloch, il presidente Roosevelt e altri ruoli minori), Kristen Bell (Mary Lane) e Ana Gasteyer (l'amante di Jack), i quali più di chiunque altro sembrano spassarsela un mondo a recitare sul set.

Gli aspetti che non funzionano sono per la maggior parte marginali, tranne uno che riserverò per ultimo.
Dunque, questo Reefer Madness nasce come opera da rappresentare su un palcoscenico, e le sue origini risultano evidenti nella maniera in cui molte scene vengono girate: spesso infatti sembra di trovarsi a teatro, con una macchina da presa sonnacchiosa e un regista che si preoccupa solamente che tutti i personaggi siano dentro l'obiettivo. La regia insomma non è delle più esaltanti, ma è un dettaglio trascurabile in un film per la TV.
Un altro difetto alquanto fastidioso è una scarsa attenzione nel bilanciamento dei colori, con il rosso che esplode peggio di una supernova. Ogni volta che in una scena il rosso è il colore dominante, state sicuri che tutte le figure si amalgameranno in un'ameba informe e traballante, e capirete poco o nulla di quello che sta succedendo. L'intera scena del tango di Jack, in cui il gangster dimostra a Jimmy le sue abilità di ballerino, viene completamente rovinata a causa di ciò. Un minimo di attenzione in più durante la fase di post-produzione avrebbe giovato; ma d'accordo, il film rimane comunque godibile.

Bastano un paio di tiri e si diventa esperti di pelle borchiata, catene e fruste, come ci dimostra qui la nostra Mary.

L'aspetto che davvero non funziona è un altro: avete presente un amico che vi racconta una barzelletta, voi cominciate a ridere, ma l'amico vi ferma e vi spiega la battuta? Poi ve ne racconta un'altra, voi capite anche questa e state per scoppiare a ridere, ma lui vi blocca ancora e ve la spiega? La prima volta non dite nulla, la seconda volta gli dite non c'era bisogno di spiegazioni e se lo rifà una terza volta lo prendete a badilate sulle gengive. Ecco, Reefer Madness: The Movie Musical è un continuo sottolineare fino allo stremo chi e che cosa si sta prendendo in giro: perché non sia mai che il pubblico non capisca che sta guardando una parodia.
Questo volere a tutti i costi spiegare la battuta distrugge completamente il numero finale Tell'em the Truth, in cui non si lascia spazio ad alcuna sottigliezza o interpretazione. Il messaggio del film deve essere chiaro: se vuoi avere l'opinione pubblica dalla tua parte, fai leva sulle sue paure; riempila pure di menzogne, chissenefrega, perché il fine giustifica i mezzi.
Messaggio che, a mio modesto parere, è più che mai palese anche senza un'intera canzone che te lo spieghi; e non una volta sola, ma tre, quattro, cinque, finché a film terminato vorresti avere un badile in mano e il regista davanti.

Ecco tutto: Reefer Madness: The Movie Musical è una pellicola che rimane spassosa dall'inizio alla fine, ma che non conosce il concetto di sfumatura, e nel suo ripetere più e più volte lo stesso messaggio corre spesso il rischio di diventare perfino più moralista del film che vuole parodiare.
Rimane comunque un prodotto divertentissimo, con tante canzoni orecchiabili e un cast di personaggi carismatici. Se una sera avete voglia di musical, date una chance a questo film.

Sotto l'effetto della marijuana Jimmy va a lavarsi nella doccia sbagliata.

IN CHE LINGUA LO GUARDO?
La risposta è quanto mai semplice: in inglese.
Proprio come il suo antenato, anche Reefer Madness: The Movie Musical non ha mai conosciuto una distribuzione ufficiale nel Bel Paese, quindi non esiste una versione doppiata in italiano.
E anche se esistesse, le canzoni sarebbero comunque in inglese, quindi a quel punto tanto vale guardarselo tutto in originale, no?

Gangster, galeotti, zombie e Satana: nessuno manca all'appello.

VOTO
7 pieno, se vi piacciono i musical. Togliete un punto intero se invece non siete fan del genere. Ma a questo punto, perché mai dovrebbe interessarvi un film per la TV?

Premi Oscar 2016 Mix and Match

Con le statuette ancora calde, pubblico un breve aggiornamento sui film premiati che ho avuto occasione di vedere in questi mesi. Pochi, mannaggia a me: soltanto il quartetto qui sopra. Mi metto in ginocchio sui ceci da solo per non aver ancora guardato Mad Max: Fury Road. Il Blu-ray è stato prontamente ordinato la settimana scorsa, e prima o poi spero che riesca a raggiungere il mio eremo lussemburghese.
Ok, per il momento concentriamoci sui film che ho effettivamente guardato. Poche righe per ciascuno, soprattutto perché sono già trascorse alcune settimane da quando sono andato a vederli, e non posso ricordare ogni singola scena.

THE HATEFUL EIGHT - 2015
Premio Oscar per la miglior colonna sonora a Ennio Morricone

Qui lo posso dire, tanto è il mio blog: questo film mi ha provato. Parecchio. In parte è colpa mia, perché dopo otto ore passate in ufficio ho deciso di andare a vedere un film che ne dura tre. Inoltre, durante i primi 90 minuti non succede praticamente nulla, e in un paio di occasioni ero lì lì per cedere alla palpebra calante. Poi, quando il film ingrana, è un meraviglioso festival di ruggine, sangue e merda, degno del miglior Tarantino; ma per arrivarci a questo festival bisogna resistere all'abbiocco.
Lo avessi visto durante il weekend magari l'avrei apprezzato di più.

The Hateful Eight è un western ambientato all'interno di una stazione di ristoro per diligenze, dove otto personaggi poco raccomandabili trovano riparo da un'imperversante bufera di neve. Tarantino divide i suoi otto eroi in due squadre: i "giusti" che stanno dalla parte della legge (due cacciatori di taglie e uno sceriffo alle prime armi), e i "malviventi" (una brigantessa prigioniera di uno dei cacciatori, e tre scagnozzi della sua banda in incognito); l'ottavo personaggio, un anziano generale sudista, non partecipa direttamente allo scontro.
Lo scopo dei "giusti" è di raggiungere il villaggio di Red Rock, ciascuno per un motivo differente, mentre l'obiettivo dei "malviventi" è quello di liberare la donna, capo della loro banda.
Ne consegue un duello senza esclusione di colpi tra le due squadre, fatto di inganni ed esasperazioni sia fisiche che psicologiche, una sorta di Agatha Christie in chiave splatter.
Se volete sapere quale delle due squadre ne esce vincitrice, andate a guardarvi il film e soffrite anche voi.

Voto: 7 e mezzo. Un incipit più spedito avrebbe di sicuro giovato a questa pellicola. Guardatelo a mente sveglia e vi divertirete un mondo.


REVENANT - REDIVIVO - 2015
Premio Oscar per la miglior regia ad Alejandro Iñárritu
Premio Oscar per il miglior attore protagonista a Leonardo DiCaprio (yay, ce l'hai fatta Leo!)
Premio Oscar per la miglior fotografia a Emmanuel Lubezki

Forse più di qualunque altro film candidato quest'anno, Revenant incarna il motto "No pain, no gain". Due ore e mezza di sofferenza fisica portata allo stremo, con un Leo prima sbranato da un'orsa, poi lasciato in fin di vita dai suoi compagni, poi braccato dai nativi americani, poi ancora mezzo morto assiderato... senza contare che in tutto questo uno dei suoi compagni gli ha ammazzato il figlio sotto gli occhi.
Insomma se te la vuoi guadagnare questa statuetta d'oro, allora devi soffrire. Ma proprio tanto.

Revenant è ispirato a una storia vera, quella dell'esploratore Hugh Glass abbandonato nelle foreste del South Dakota, dopo che i suoi compagni lo avevano creduto morto.
Iñárritu riprende la vicenda originale, mettendo in rilievo la formidabile forza di volontà di quest'uomo nel fronteggiare ogni tipo di avversità per ritrovare l'assassino del figlio e farsi giustizia.
La regia è spettacolare: il piano sequenza iniziale in cui i protagonisti sfuggono per miracolo all'imboscata dei nativi vale da solo il prezzo del biglietto. E poi c'è Leo, in un'interpretazione ferina che da sola tiene in piedi l'intero film.

Voto: 8 più. Revenant lascia semplicemente a bocca aperta. Guardatelo; è un ordine.


IL CASO SPOTLIGHT - 2015
Premio Oscar come miglior film
Premio Oscar per la miglior sceneggiatura originale a Tom McCarthy e Josh Singer

Allora, prima domanda: perché in italiano ci hanno dovuto aggiungere quelle due paroline al titolo? Che poi uno va a pensare che ci sia un caso di cronaca chiamato "Spotlight". No, "Spotlight" è semplicemente il nome di un team del Boston Globe che si occupa di giornalismo d'inchiesta: quindi ricerche negli archivi, raccolta di testimonianze, interviste, eccetera.

La trama in breve: nel 2001 si instaura al Boston Globe un nuovo direttore, Marty Baron. Il team Spotlight è alla ricerca di un nuovo tema su cui lavorare, e Baron propone di indagare su alcuni casi di abusi sessuali su minori perpetrati da esponenti del clero di Boston.
Nel corso della prolungata indagine, la squadra mette alla luce un sistema omertoso protrattosi per oltre trent'anni, nel quale i sacerdoti colpevoli di violenza nei confronti dei minori vengono semplicemente trasferiti di parrocchia in parrocchia senza mai essere denunciati alle autorità.

Per come è girato, Il caso Spotlight è un grosso punto interrogativo. E' una pellicola pacata, rilassante, in netto contrasto con l'orrore che i cinque membri del team scoperchiano nel corso della loro indagine. Anche la recitazione degli attori è estremamente composta: davanti a loro si rivela pian piano un machiavellico sistema di insabbiamenti e bustarelle, eppure i cinque giornalisti non battono ciglio, rimangono obiettivi qualunque sia l'orrore che si trovano davanti. La deontologia professionale viene prima di tutto.
Proprio per questa pacatezza di fondo non c'è nulla che risalti nel caso Spotlight; e devo ammettere che il premio Oscar come miglior film mi ha stupito. Ma forse è proprio la ricerca dell'obiettività a tutti i costi che rende questa pellicola degna di nota.

Voto: 7 e mezzo. Da cineforum.


INSIDE OUT - 2015
Premio Oscar come miglior film d'animazione

Titolo rimasto in inglese perché tanto siamo diventati tutti impeccabili anglofoni. Magari.
Neanche un sottotitolino, che ci piace tanto? Che so Inside Out - Che ti passa per la testa?, Inside Out - Viaggio al centro della mente, Inside Out - A Siamo Fatti Così gli fa una pippa?

Ok, di questo film possiedo già il Blu-ray, quindi prima o poi gli dedicherò una recensione completa.
Inside Out è la storia di Riley, una ragazzina undicenne trasferitasi da poco con i genitori a San Francisco. Ambientarsi nella nuova città non è facile, e tale disagio si riflette nelle emozioni che risiedono nella mente di Riley: Gioia, Tristezza, Rabbia, Paura e Disgusto. Quando, a causa di un incidente, Gioia e Tristezza vengono scaraventate fuori dal quartier generale della mente di Riley, la protagonista si ritrova sempre più in difficoltà nel socializzare con i compagni di scuola e interagire con i genitori. Gioia e Tristezza devono quindi riuscire a ritornare al quartier generale il prima possibile per rimettere a posto lo stato d'animo disorientato della giovane ragazza.

Inside Out è un gioiellino come solo la Pixar sa creare: come ci riescano (quasi) ogni volta è un mistero. Riley siamo noi a undici anni, non più bambini ma non ancora adolescenti, di fronte a un evento che non riusciamo a comprendere ma che dobbiamo accettare, come il trasloco in un'altra città.
Inutile dirlo, la personificazione delle cinque emozioni è azzeccatissima; ma non solo, l'intero concetto di come è strutturata la nostra mente ha un che di strabiliante. Mi risulta oltremodo difficile riassumere in due scarni paragrafi un film complesso come Inside Out: se non l'avete ancora visto, fatelo ora.

Voto: 8 meno. Rigorosamente vietato ai minori di sette anni perché non lo capirebbero.


E con queste quattro mini-recensioni si chiude la mia serata degli Oscar. Chissà che l'anno prossimo non riesca a vedere qualche pellicola in più prima delle premiazioni. Staremo a vedere. Nel frattempo, buone visioni!

A Bigger Splash - 2015

Lui, lei, l'ex e la figlia dell'ex in un film noir ambientato intorno a una piscina nella cornice mediterranea dell'isola di Pantelleria. Tra vecchie passioni mai sopite, rancori e attacchi di gelosia, sappiamo già che la vicenda finirà in tragedia, quindi prepariamoci una bella confezione di pop-corn e godiamoci le morbose vacanze dei nostri protagonisti.
Ammetto che di Luca Guadagnino, regista di A Bigger Splash, conosco ben poco: questo è il suo primo lavoro che sono riuscito a guardare dall'inizio alla fine. Ho tentato qualche anno fa di dare una chance a Melissa P., ma ho desistito dopo 20 minuti. Mi dicono che Io sono l'amore sia una pellicola valida; mah, in futuro potrei anche pensare di recuperarla.

Ma veniamo a questo "grande spruzzo": è il remake di un film francese di fine anni Sessanta con Alain Delon e Romy Schneider, intitolato La piscina. Anche in questo caso ammetto la mia ignoranza in materia: non ho visto La piscina e al momento una sua visione non risulta tra le mie priorità. Non mi metterò quindi a disquisire quanto di quest'ultimo lavoro di Guadagnino sia un omaggio, quanto ci sia di originale, eccetera.
Perché in ogni caso sono riuscito a godermi A Bigger Splash senza conoscere nulla delle sue origini, e per la proprietà transitiva lo potete fare anche voi.

COSA SUCCEDE IN A BIGGER SPLASH
Marianne è un'affermata rockstar che ha subito di recente un'operazione alle corde vocali; per rilassarsi nell'attesa di poter tornare a cantare, decide di trascorrere l'estate insieme al fidanzato Paul nell'isola di Pantelleria. I due però vengono raggiunti dall'esuberante produttore discografico Harry, il quale sta soggiornando in Italia assieme alla giovane figlia Penelope. La presenza in casa di quest'ospite inatteso, il cui carattere estroverso e festoso ben si sposa con la personalità indomita di Marianne, trascina Paul in una spirale di gelosia.
Non bisogna dimenticare inoltre che Harry è l'ex fidanzato di Marianne; Paul quindi sospetta, a ragione, che Harry sia giunto di proposito a Pantelleria per innescare un ritorno di fiamma nella rockstar.
Contemporaneamente Penelope comincia a interessarsi al taciturno e riservato Paul, flirtando con lui in maniera sempre meno innocente. L'idillio della vacanza si infrange in un crescendo di tensioni, segreti non rivelati, e parole che invece non si sarebbero mai dovute pronunciare.

COMMENTIAMO A BIGGER SPLASH
Ok, diciamolo subito fuori dai denti: A Bigger Splash non è un film semplice, e non sono nemmeno sicuro di averlo compreso appieno. La regia è fenomenale per tre quarti della pellicola, con tocchi di classe quali l'ombra dell'aereo sulla coppia Marianne/Paul a inizio storia, sottile presagio del cataclisma che stravolgerà la loro vacanza, o l'incessante e nervoso saltellare della macchina da presa da un particolare all'altro: una grotta, un paio di occhiali da sole riflettenti, un tallone, un cazzo al vento.
Ebbene sì, il nudo e crudo qua abbonda, e ce n'è per tutti i gusti.

Torniamo seri. La Pantelleria di Guadagnino è suddivisa in tre microcosmi: gli stranieri in vacanza, la popolazione del luogo e i migranti provenienti dal Nordafrica. Rappresentanti di questi microcosmi possono anche stare nella stessa inquadratura, tuttavia non interagiscono gli uni con gli altri se non in rari casi, quasi si trovassero in tre Pantellerie differenti.
E' in questa mancanza di interazione che ho trovato particolarmente ostico il messaggio del film, se mai ce ne sia uno. Perché inserire la questione dell'ondata migratoria, se comunque la storia regge benissimo anche senza? Dato che la durata di una pellicola è limitata, e in due ore devi saper raccontare una storia che abbia un senso se vuoi che il pubblico ti segua (a meno che non ti chiami Andy Warhol), mi sono chiesto come mai Guadagnino abbia voluto inserire queste sequenze con gli immigrati nordafricani, all'apparenza completamente avulse dal turbine di passioni e gelosie represse dei quattro protagonisti.

E non mi è mica stato facile tirar fuori una spiegazione razionale.

L'unica interpretazione decente che sono riuscito a trovare è nel modo in cui i quattro protagonisti vengono caratterizzati, in particolar misura la coppia Marianne/Harry, la rockstar e il produttore discografico: due persone che avevano la forza di cambiare il mondo con il loro talento e la loro pulsione rivoluzionaria (specialmente Harry, che sfoggia un tatuaggio sul petto con falce e martello), ma che si sono via via imborghesite e isolate dal resto del mondo.
A queste persone, così autocelebrative e prigioniere del loro passato, che arrivano a giustificare le proprie azioni con un lapidario "Siamo tutti osceni", la questione dei migranti appare come un qualcosa di fuori posto, quando in realtà i fuori posto sono proprio loro.

Da un certo punto di vista l'indifferenza dimostrata da Marianne e gli altri, da questi "comunisti" da salotto, fa rabbrividire: non dovrebbero essere i primi a interessarsi delle condizioni dei migranti? E invece niente, si barricano nell'edonismo della loro casa-fortezza dove ascoltare dischi in vinile (rigorosamente), ricordare di quanto si era fighi insieme ai Rolling Stones, e creare situazioni equivoche.
Non che mi dispiaccia: come dicevo, il film eccelle nei momenti di tensione che vengono a crearsi tra i quattro protagonisti; in ogni caso, quella sensazione di "fuori posto" rimane.

Per concludere, avrò compreso il messaggio di questo film, o ci sono almeno andato vicino? Quello che ho appena scritto ha un minimo di senso o è uno svarione degno del miglior Enrico Ghezzi? Non lo so, non pretendo di avere la verità in tasca; l'unica cosa che posso dire è che questa pellicola mi ha fatto riflettere. E già questo mi basta e avanza per consigliarvi A Bigger Splash.

VOTO
7 più. Merita una visione, ma fatevi un piacere e guardatevelo per conto vostro, senza fidanzati/e, mariti, mogli o amanti intorno: può condurre a paranoia.

PPZ - Pride + Prejudice + Zombies - 2016

Lo ammetto: mi aspettavo una cagata pazzesca e invece mi sono dovuto ricredere. Fa sempre piacere andare a vedere un film che supera le tue aspettative (bassissime, in questo caso).
PPZ - Pride + Prejudice + Zombies (d'ora in avanti abbreviato in PPZ) appartiene a quel filone di film di serie B in cui tutto quello che c'è da sapere è già nel titolo. In questo caso, Orgoglio e pregiudizio con gli zombie, né più né meno.
Incredibile ma vero, l'accoppiata funziona; con qualche riserva, che vedrò di delineare qui di seguito.

COSA SUCCEDE IN PPZ
Nel XIX secolo, l'Inghilterra è in ginocchio a causa di un'interminabile e dispendiosa guerra contro i morti viventi. Per fronteggiare la continua minaccia di queste creature immonde, i giovani aristocratici si recano in Estremo Oriente per apprendere le arti della lotta corpo a corpo. Le cinque sorelle Bennet sono da poco ritornate dal loro addestramento in Cina, e passano ora le loro giornate tormentate dalle continue manfrine della madre, la frivola signora Bennet, affinché trovino un marito benestante il prima possibile.
Jane, la sorella primogenita, conosce a un ballo l'affascinante e facoltoso signor Bingley, e tra i due giovani è subito colpo di fulmine. Tuttavia questa unione non è vista di buon occhio dal colonnello Darcy, il quale teme che Jane sia solamente interessata all'eredità dell'amico.
Dal canto suo Darcy rimane colpito dalla secondogenita Elizabeth, ma il carattere orgoglioso di lui e l'atteggiamento insofferente di lei non fanno altro che alimentare un sentimento di avversione reciproca. O almeno così sembra.
La vita di Elizabeth prosegue tra duelli contro gli apparentemente inarrestabili morti viventi, nuovi spasimanti che chiedono la sua mano, e continui malintesi con il colonnello Darcy, il quale riesce persino a far separare Jane e Bingley.
Solamente il precipitare degli eventi, con gli zombie pronti a un'invasione su larga scala, permetterà a Elizabeth e Darcy di mettere da parte i propri preconcetti e cedere all'amore.

COMMENTIAMO PPZ
Gli aspetti positivi di questa pellicola non sono molti, ma contribuiscono a rendere la visione del film un piacere. Innanzitutto, è una parodia ben scritta che rende omaggio al soggetto originale di Jane Austen (non mi pronuncio qui sul romanzo di Seth Grahame-Smith, da cui è stato tratto questo film, perché non l'ho letto). Alcuni concetti chiave dell'opera letteraria, quali l'importanza del ceto sociale o del tipo di educazione ricevuta vengono qui semplicemente accennati, per dare maggiore spazio ai continui conflitti tra gli umani e l'orda impetuosa dei morti viventi. PPZ è un film d'azione, dopotutto.
In breve questa pellicola riesce a incastonare l'universo borghese dei primi anni del XIX secolo nella cornice apocalittica del genere zombie; e ci riesce con successo, un'impresa non da poco.

Gli aspetti che non funzionano sono tanti e sparsi per tutta la durata del film. In questa sede mi limiterò soltanto a quelli più evidenti, perché in ogni caso PPZ è un prodotto di serie B e possiamo quindi sorvolare certe disattenzioni di poco conto.

Primo problema: la maniera in cui ci viene presentato il mondo di PPZ. Ogni film dell'orrore ha i suoi "canoni": chi sono i mostri, come si muovono, come si propagano, come possono essere uccisi, eccetera. La regola d'oro per spiegare questi canoni al pubblico è quella di utilizzare le immagini, non le parole: il classico show, don't tell. Purtroppo PPZ si dimentica completamente di questa regola, cosicché agli inizi del film assistiamo a un dialogo surreale tra Darcy e la padrona di casa, dove il giovane colonnello sciorina alla signora, e di conseguenza al pubblico, quali sono i "canoni" di questo film. L'espediente del dialogo è quanto di più pigro ci possa essere, oltre a non avere alcun senso: secondo PPZ, infatti, la piaga degli zombie è iniziata almeno cinquant'anni prima, per cui chiunque è a conoscenza di che cosa siano questi morti viventi e di come si moltiplichino; non c'è alcun motivo per cui la povera padrona di casa necessiti di una rinfrescata di memoria.

Secondo problema: l'assoluta mancanza di intesa tra Bella Heathcote, l'attrice che interpreta Jane, e Douglas Booth, l'attore che interpreta il signor Bingley. Entrambi tanto carini e fotogenici, ma due scope in culo quando si tratta di recitare. Credo che avrebbero fatto un lavoro migliore usando una Barbie e un Ken.
Ok, torniamo seri: la travagliata storia d'amore di Jane e Bingley, per quanto in secondo piano, è indispensabile ai fini della maturazione psicologica di Elizabeth e Darcy. Ma se la storia d'amore tra i primi non si fa vedere, di conseguenza ne risente anche quella dei secondi.

Terzo problema: il montaggio e l'illuminazione delle scene di battaglia. E qui non ci sono scusanti: se in un film d'azione non mi fai capire chi sta tranciando cosa, a me viene qualche dubbio che tu abbia sbagliato mestiere. La vittima eccelsa è il duello nelle cucine a circa un terzo della pellicola, ripreso pressoché in assenza di illuminazione e virato al rosso. Davvero, non riesco a capire il perché di questa scelta infelice.
In generale le scene di battaglia sono alquanto sottotono, annebbiate e girate in maniera confusionaria: c'è violenza, ma è al rallentatore, ci sono sangue e budella, ma sono sempre fuori fuoco. Un grande peccato, perché con un titolo come Orgoglio e pregiudizio e zombie ci si poteva sbizzarrire quanto più possibile; e invece è stato fatto il minimo sindacale.

VOTO
5 pieno. E' un esperimento divertente, che avrebbe raggiunto la sufficienza se avesse osato di più e se si fosse ricordato ogni tanto di illuminare il set. Se al liceo Jane Austen vi ha cambiato la vita, andatelo a vedere; altrimenti state pure a casa.

Labyrinth - Dove tutto è possibile - 1986

Labyrinth, insieme ad altri titoli usciti negli anni '80 come I Goonies, o Willow, è uno di quei film per bambini che non tratta i bambini da stupidi. E soltanto per questo meriterebbe una visione.
Pochi mesi ancora e questa pellicola avrà compiuto 30 anni: per celebrare il suo anniversario, e per commemorare la recente dipartita dell'inarrivabile David Bowie, ho deciso di aprire la sezione dei film "da salotto" proprio con Labyrinth.

Versione recensita: Blu-ray del 2009, qui in tutto il suo splendore

COSA SUCCEDE NEL LABIRINTO
Sarah è una quattordicenne ancora legata al mondo dell'infanzia: l'arredamento della sua camera, i suoi abiti, e i suoi libri preferiti rispecchiano l'immagine di una ragazza che non ha voglia, o non è in grado, di diventare un'adolescente. Una sera viene lasciata sola ad accudire il fratellino Toby di appena un anno; esasperata dai continui piagnistei del piccolo, Sarah esprime un puerile desiderio: che gli gnomi si portino via il bambino nella loro città. Accade l'impensabile: il suo desiderio viene esaudito, e la ragazza si rende conto dell'errore che ha commesso, pentendosi amaramente. Jareth, il re degli gnomi le concede allora una possibilità: se entro tredici ore Sarah riuscirà a raggiungere il castello di Jareth, circondato da un colossale labirinto, allora potrà riavere con sé il bambino. In caso contrario, Toby verra tramutato in uno gnomo.
Sarah intraprende così una corsa contro il tempo, attraverso il labirinto e i suoi innumerevoli ostacoli, per rimediare al proprio cieco egoismo e salvare il suo fratellino.

Il piccolo Toby terrorizzato in compagnia dei suoi rapitori: non ti preoccupare, vedrai che adesso arriverà Sarah a salvarti, e ci penserà lei a pagarti i cinque anni di sedute dallo psichiatra.

COMMENTIAMO LABYRINTH
Bisogna dire le cose come stanno: Labyrinth è un film invecchiato male. E' senza dubbio una pellicola audace, divertente e cruda al tempo stesso, oltre che una meraviglia dal punto di vista tecnico: tutti i pupazzi che compaiono nel film sono veri e tangibili, genuini attori di cartapesta, gommapiuma e pompe idrauliche. Siamo ancora nell'era pre-computer grafica qui (se si escludono i titoli di testa, ma qui stiamo spaccando il capello in quattro), e l'atmosfera che questo film restituisce ha un qualcosa di "reale". Il che fa sorridere, visto e considerato che stiamo parlando di un mondo popolato di gnomi, fate, nani e orangutan giganti. Inoltre, come accennavo all'inizio, Labyrinth è uno di quei rari prodotti che considera i suoi giovani spettatori come creature dotate di un cervello e non come dei completi idioti.

Il principale problema di questo film, e anche il motivo per cui ritengo che sia invecchiato male, è lo svolgimento della trama principale. Labyrinth è composto di tante piccole scene perfette (Gogol che spruzza l'insetticida contro le fate, David Bowie che canta Magic Dance insieme agli gnomi, il ballo in maschera, solo per citarne alcune), che tuttavia non riescono ad amalgamarsi in un intreccio compatto.
Poi ci sono tutte quelle sequenze che tirano il freno a mano su un'azione che già di suo non è delle più spedite: il saggio con il cappello parlante, i pupazzi smontabili, il ponte di Sir Dydimus, o il golem all'entrata della città dei goblin hanno più il sapore di riempitivo che non di un qualcosa di necessario ai fini della narrazione.

Oooh, vieni qui graziosa fanciulla, e lasciami parlare a vanvera per cinque minuti. Tanto hai tempo, no?

In poche parole, agli autori interessa soltanto esibire le meraviglie del mondo che sono riusciti a creare; la missione di Sarah, in tutto questo, passa in secondo piano. Più delle volte guardando questo film vi chiederete: ma Toby? non lo vogliamo andare a salvare una buona volta?

Ma veniamo ai due personaggi principali, Sarah la protagonista(?) e Jareth l'antagonista(?). E' qui che a mio parere la pellicola dà il meglio di sé: in Labyrinth non esiste il bianco o il nero, l'interamente buono o l'interamente cattivo.
Sarah si comporta da perfetta stronza agli inizi della storia, e ci presenta un carattere di gran lunga più insopportabile dei piagnistei del fratellino Toby. Jareth, dal canto suo, non è sicuramente un personaggio malvagio e amorale: in fondo, egli non fa altro che esaudire la richiesta della ragazza per poi metterla in condizione di comprendere la gravità e le conseguenze del suo desiderio.
Sul re degli gnomi si possono trovare numerose teorie cercando nella rete: tra le mie preferite spicca quella che vede Jareth come personificazione del subconscio di Sarah, che tiene ancorata la ragazza in un mondo illusorio fatto di fiabe, balocchi e ricordi d'infanzia ancora troppo vivi per lasciarli andare.

E chi non lo vorrebbe un subconscio così?

Questo subconscio avverte però anche una pulsione nuova dentro di sé, qualcosa che ancora non ha un nome ben definito, ma che è in netto contrasto con l'innocente sfera dell'infanzia. Sarah ha quattordici anni e sta scoprendo per la prima volta la propria sessualità: Jareth, in quanto uomo più maturo di lei, amichevole ma a tratti terrificante, sottomesso e allo stesso tempo autoritario, incarna alla perfezione lo stato d'animo confuso di Sarah di fronte a queste sensazioni nuove e ancora sconosciute.

Una domanda che mi sono posto fin dalla prima visione del film è: Sarah e Jareth si conoscevano già?
All'inizio della pellicola, prima di cedere al proprio egoismo la ragazza cerca di calmare Toby raccontandogli una fiaba che narra di una povera fanciulla maltrattata da tutti e del suo fratellino viziato e sbraitante. Non ci vuole una laurea per capire che Sarah sta parlando di se stessa; ciò che nessuno sapeva, prosegue la ragazza, è che il re degli gnomi si era innamorato di lei, e le aveva fatto un dono: le parole magiche per sbarazzarsi del marmocchio rompiscatole.
La narrazione di Sarah mi è sempre sembrata troppo "realistica" per essere semplicemente un prodotto della sua fantasia: ecco perché la mia interpretazione è che Sarah e Jareth si fossero già incontrati in passato. Dove e come il film non lo spiega, però questo primo incontro viene idealizzato nella sequenza del ballo in maschera, in cui un'impacciata Sarah-Cenerentola incontra il suo principe, ma deve abbandonare il palazzo allo scoccare della mezzanotte.

Lo sguardo di Sarah non lascia dubbi: questo è ammore

Ma quindi? Jareth è semplicemente un frammento della psicologia di Sarah, o è un personaggio in carne e ossa? Mah, io propendo di più per la seconda opzione, ma non c'è alcun motivo per escludere che l'intera vicenda avvenga soltanto nel subconscio della ragazza.
E' in questa interpretazione così ad ampio raggio dei suoi personaggi che Labyrinth dà il meglio di sé: ogni spettatore, piccolo o grande che sia, può trarre le proprie conclusioni sul viaggio di Sarah attraverso il labirinto. Quanti altri film per bambini riescono a ottenere questo risultato?
Ecco perché affermo che Labyrinth è un film per bambini che non tratta i bambini da stupidi.

IN CHE LINGUA LO GUARDO?
Sono dell'idea che un film vada goduto nella sua lingua originale quando possibile. Detto questo, il doppiaggio italiano di Labyrinth è eccellente, e lo consiglio senza alcun indugio.
Cosa funziona nel doppiaggio italiano: su tutti Ilaria Stagni, la doppiatrice di Sarah. Per quanto Jennifer Connelly sia diventata nel corso degli anni un'attrice di fama internazionale, in questa pellicola si avverte spesso un che di acerbo. I suoi scatti d'ira sono inascoltabili in inglese, mille volte meglio in italiano.
Cos'altro funziona: le cadenze e gli accenti dei vari personaggi di contorno, dal verme "franscese" alle guardie che parlano in siciliano (forse perché il loro aspetto ricorda i pupi?).
Inoltre, c'è un leggero errore nella versione originale per quanto riguarda le parole magiche che Jareth ha insegnato a Sarah per sbarazzarsi del bambino; tale errore non è presente nella versione doppiata, quindi un altro +1 per l'edizione italiana.

Cosa non funziona: nelle scene più concitate, molte frasi dei personaggi di contorno sono state completamente eliminate per far spazio a urla o versi. Nulla che possa compromettere la visione del film, sia ben chiaro, però mi sembrava doveroso farlo notare.

I nostri eroi si addentrano nella foresta dei fratelli Grimm. Notate niente di strano sull'albero più a destra?

L'adattamento italiano è fedele al 95%, qua e là qualche frase viene inventata di sana pianta, ma anche in questo caso la visione della pellicola non è per nulla compromessa.
Due nomi sono stati modificati in fase di adattamento: il nano Hoggle è diventato Gogol, mentre il bestione Ludo è stato ribattezzato Bubo. Trovo che Gogol sia azzeccatissimo, soprattutto perché rende molto bene i vari giochi di parole e le gag di cui l'originale Hoggle è vittima.
Ho invece qualche riserva per Bubo: personalmente, ritengo che il nome Ludo avrebbe funzionato anche in italiano, e avrebbe regalato al personaggio una connotazione "giocosa" di cui Bubo è privo. Sarà che Bubo mi fa venire in mente la peste dei Promessi Sposi, e quindi faccio fatica a digerirlo.

Sempre in ambito adattamento italiano, non si possono dimenticare le pandafoline ("panda slippers" nella versione originale)! Chiunque abbia creato questo termine meriterebbe un premio speciale.

Sarah e compagni sono finalmente giunti alle porte del castello di Jareth. Cosa sono quei due contenitori sulla sinistra? Bottiglie di latte? Mi volete far credere che il re degli gnomi si fa portare il latte sotto casa?

VOTO
7 meno. Per voi genitori, fatelo vedere ai vostri figli quando andranno alla scuola elementare e se ne innamoreranno. Per tutti gli altri, godetevi questa strabiliante meraviglia tecnica, ma non aspettatevi di rimanerne coinvolti.

Brooklyn - 2015

La mia avventura bloghiana comincia placida e silenziosa con un film che, guarda caso, sta passando quasi inosservato. Eppure è candidato agli Oscar 2016 anche come miglior film, per cui tanto schifo non potrà fare, giusto?
E infatti la risposta è scontata: Brooklyn è davvero un buon film. Non solo; tratta un argomento che mi sta molto a cuore: il doversi trasferire in un paese che non è il tuo, ricominciare tutto da zero, non avere amici, sentirsi soli e in preda a quel dubbio attanagliante di aver fatto la scelta giusta.
Ma andiamo con ordine.

COSA SUCCEDE A BROOKLYN
La storia è ambientata agli inizi degli anni '50. La giovane Eilis Lacey abbandona il suo paese natale, l'Irlanda, per trasferirsi negli Stati Uniti alla ricerca di un futuro. Tanto intelligente quanto riservata, Eilis dapprima fatica a trovare una sua dimensione al di là dell'oceano, e la sua unica consolazione sono le lettere della sorella Rose, rimasta in Irlanda assieme alla madre. Con il passare del tempo, tuttavia, Eilis riesce a vincere la nostalgia e Brooklyn diventa in tutto e per tutto la sua nuova casa. Con un futuro come contabile e un fidanzato che a trovargli un difetto ce ne vuole, la vita di Eilis non potrebbe essere più rosea; purtroppo, un lutto improvviso in famiglia costringe la ragazza a ritornare nel suo paese natale. Molte delle sicurezze che Eilis aveva acquisito negli ultimi mesi sono messe a dura prova: se prima faticava a trovare un lavoro a tempo pieno, ora è il lavoro a trovare lei; se prima nessun ragazzo del posto sembrava essere interessato, ora nientemeno che uno dei migliori partiti della città comincia a farle la corte. Forse anche in Irlanda non si sta così male, in fin dei conti...

Ovviamente, se volete conoscere la decisione finale di Eilis, se restare in Irlanda o tornare a Brooklyn, dovete guardarvi il film (o leggervi la trama su qualche altro sito; di mia regola, non rivelerò MAI un finale sul mio blog).

COMMENTIAMO BROOKLYN
Sono impressioni a caldo, dato che ho terminato di vedere il film soltanto poche ore fa.
Cominciamo dalle rassicurazioni: dal trailer che trasmettevano qui in Lussemburgo, Brooklyn mi dava l'impressione di essere un chick flick stile Autumn in New York. Meno male che era soltanto un'impressione: Brooklyn non è una storia d'amore, è la storia di un essere umano alla ricerca della propria identità.

Cosa mi è rimasto impresso: beh, innanzitutto la caratterizzazione di Eilis Lacey. E' un'eroina atipica, presentata come timida e con un'autostima sotto le scarpe all'inizio della storia.
Da un certo punto di vista, ho faticato a comprendere i suoi struggimenti per il paese appena lasciato. In fondo, Eilis trova sempre la pappa pronta: arriva negli Stati Uniti che ha già un lavoro, non deve imparare una nuova lingua, non deve affannarsi per trovare alloggio, e ha pure i corsi serali all'università per diventare contabile sovvenzionati dalla parrocchia. Rispetto alla stragrande maggioranza degli immigrati Eilis ha la vita facile, non c'è che dire.

Se però mi fermo un secondo e ripenso alla mia esperienza di italiano emigrato all'estero (da parecchi anni ormai), mi rendo conto che i miei primi tempi non erano poi tanto differenti. Avevo un appartamento, un salario decente, non c'era nulla di cui mi dovessi lamentare; eppure mi sentivo costantemente un "pesce fuor d'acqua".
Questo film mi ha fatto ricordare quei primi mesi, dove ogni giorno sembra più difficile di quello precedente, e la tua vita è composta di tanti bassi e pochi alti. Chiamatela "nostalgia", chiamatela "culture-shock" o anche semplicemente "processo di assimilazione", è una fase sotto la quale dobbiamo passare tutti. Finché, piano piano, si inizia a vedere il nuovo paese come la propria "casa".

Tornando a Eilis, un altro aspetto che ho apprezzato in maniera particolare è la sua metamorfosi da ragazza inibita e timorata di Dio a giovane disinvolta e talora anche sfacciata.
Eppure, nonostante la trasformazione Eilis mantiene fino al termine della pellicola una certa insicurezza e ingenuità che la portano a commettere errori facilmente evitabili. Durante l'intero secondo tempo Eilis è letteralmente in balia degli abitanti del piccolo borgo in cui ha fatto ritorno; dov'è finita tutt'a un tratto quella sicurezza acquisita nei mesi precedenti?
Ma in fondo il fascino di questo film sta anche in questo: Eilis non è un'eroina perfetta, è un essere umano. Ogni tanto agisce in maniera sensata, ogni tanto no, nonostante l'esperienza accumulata.

Una piccola nota sui vari personaggi di contorno. Sono tutti caratterizzati al meglio, e nessuno cade vittima di facili stereotipi. In poche battute regalano un universo di voci differenti sempre desiderose di interagire con la protagonista.
Mi rimane un unico dubbio riguardo ai genitori di Tony, il fidanzato di Eilis. Sono entrambi italiani a detta di Tony, eppure quando dialogano con Eilis sfoggiano una delle migliori dizioni di inglese americano mai udite in sala. In un quartiere dove ogni singolo abitante parla con una determinata cadenza, mi è sembrato alquanto strano che questi due immigrati italiani parlassero un americano impeccabile. Che scuole serali avranno mai frequentato?
Come dicevo, è solamente un piccolo appunto, relegato a una scena che non supera i due minuti.

DA OSCAR?
Brooklyn ha ricevuto tre nomination: miglior film, miglior sceneggiatura non originale, miglior attrice protagonista. Se li meriterebbe tutti e tre se non fosse che quest'anno la concorrenza è spietata, con titoli di grande spessore in ciascuna categoria (e The Revenant che si prospetta asso pigliatutto); chissà se Brooklyn riuscirà a portare a casa almeno una statuetta.
Saoirse Ronan, l'attrice che interpreta Eilis, regala sicuramente una performance eccelsa; se qualcuno a Hollywood è in grado di pronunciare il suo nome, ha qualche chance di vincere l'oscar.

La locandina del film fuori dalla sala, in tutto il suo splendore

VOTO
8 pieno. Guardatelo senza remore.